martes, 31 de octubre de 2023

POSSESSED - BEYOND THE GATES


 

Beyond the Gates: el clásico olvidado del death metal


Posessed es una de las bandas pioneras del death metal, un género que combina la velocidad y la agresividad del thrash metal con voces guturales, letras oscuras y una atmósfera infernal. Su segundo álbum, Beyond the Gates, lanzado en 1986, es considerado por muchos como un clásico del estilo, aunque no tuvo el reconocimiento ni la influencia que merecía.


El disco se inicia con una introducción instrumental llamada "Intro", que crea una sensación de misterio y anticipación con sus teclados siniestros y sus efectos de sonido. Luego, la banda desata toda su furia con "The Heretic", un tema rápido y brutal que muestra la habilidad de los músicos y la voz desgarrada de Jeff Becerra, el líder y bajista del grupo.


Las canciones que siguen mantienen el nivel de intensidad y calidad, con riffs demoledores, solos frenéticos y cambios de ritmo sorprendentes. Destacan temas como "Tribulation", "March to Die" y "No Will to Live", que reflejan la temática satánica y nihilista de las letras. El disco cierra con "The Beasts of the Apocalypse", una canción épica de más de seis minutos que resume el espíritu del álbum.


Beyond the Gates es un disco que no tiene desperdicio, y que demuestra que Posessed fue una banda adelantada a su tiempo. Su sonido crudo y extremo influyó a muchas otras bandas del death metal, como Death, Morbid Angel o Cannibal Corpse. Sin embargo, el disco no tuvo el éxito comercial esperado, y la banda se disolvió poco después debido a problemas internos y a un trágico accidente que dejó paralizado a Becerra.


Hoy en día, Beyond the Gates es un disco de culto para los fans del death metal, y una obra maestra que merece ser reivindicada. Si te gusta el metal extremo, no puedes dejar de escuchar este álbum, que te llevará más allá de las puertas del infierno.


lunes, 30 de octubre de 2023

SEPULTURA - SCHIZOPHRENIA


 

Schizophrenia: el disco que consagró a Sepultura como una de las bandas más influyentes del metal


Sepultura es una de las bandas más reconocidas y respetadas del metal mundial. Su trayectoria, que abarca más de tres décadas, ha sido marcada por la innovación, la experimentación y la rebeldía. Sin embargo, hubo un disco que fue clave para definir su identidad y su sonido: Schizophrenia, lanzado en 1987.


Schizophrenia fue el segundo álbum de estudio de Sepultura, y el primero con la formación clásica que integraban Max Cavalera (voz y guitarra), Igor Cavalera (batería), Andreas Kisser (guitarra) y Paulo Jr. (bajo). El disco fue grabado en los estudios J.G. de Belo Horizonte, con la producción de Cogumelo Records, el sello independiente que apostó por la banda desde sus inicios.


El resultado fue un trabajo brutal, técnico y original, que combinaba la agresividad del thrash metal con la influencia de bandas como Venom, Celtic Frost y Slayer. Schizophrenia mostró una notable evolución respecto al debut Morbid Visions, tanto en la composición como en la ejecución. Las canciones eran más complejas, variadas y melódicas, sin perder la potencia ni la velocidad. Los riffs eran afilados y precisos, la batería era demoledora y la voz de Max era desgarradora y expresiva.


El disco se inicia con "Intro", una pieza instrumental que crea una atmósfera oscura y misteriosa, con efectos de sonido y voces distorsionadas. Luego sigue "From the Past Comes the Storms", un tema que resume el estilo de Sepultura: riffs demoledores, cambios de ritmo, solos virtuosos y una letra que habla de la violencia y la opresión. "To the Wall" es otro tema destacado, con un riff pegadizo y un estribillo que invita al headbanging. "Escape to the Void" es una canción más lenta y atmosférica, con una letra inspirada en el libro 1984 de George Orwell. "Inquisition Symphony" es una versión metalera del tema clásico de Carl Orff, que muestra la versatilidad y la creatividad de la banda. "Screams Behind the Shadows" es una canción que combina velocidad y melodía, con un solo de guitarra memorable. "Septic Schizo" es otro tema que juega con los contrastes, alternando partes lentas y pesadas con otras rápidas y furiosas. "The Abyss" es otra pieza instrumental, que sirve como introducción a "R.I.P. (Rest in Pain)", una canción que cierra el disco con una dosis de thrash metal puro y duro.


Schizophrenia fue un éxito tanto en Brasil como en el extranjero, y le abrió las puertas a Sepultura para firmar con un sello internacional (Roadrunner Records) y realizar su primera gira europea. El disco fue reeditado varias veces, con diferentes portadas y temas extra. Schizophrenia es considerado como uno de los mejores discos de Sepultura, y como uno de los clásicos del metal brasileño y mundial.


MERCYFUL FATE - MELISSA


 

Melissa: el clásico del metal que marcó una época


Melissa es el primer álbum de estudio de la banda danesa de heavy metal Mercyful Fate, lanzado en 1983 por Roadrunner Records. Considerado como uno de los discos más influyentes del género, Melissa es una obra maestra que combina la voz única y teatral de King Diamond, las guitarras virtuosas de Hank Shermann y Michael Denner, y la sección rítmica potente y precisa de Timi Hansen y Kim Ruzz.


El álbum se caracteriza por su atmósfera oscura y misteriosa, inspirada en el ocultismo y el satanismo, temas recurrentes en las letras de King Diamond. El título hace referencia a una calavera humana que el vocalista usaba como amuleto y que supuestamente le hablaba. La portada muestra a la banda rodeada de velas y con la calavera en primer plano, creando una imagen icónica que ha trascendido el tiempo.


Las canciones de Melissa son complejas y variadas, con cambios de ritmo, melodías pegadizas y solos impresionantes. Destacan temas como "Evil", "Curse of the Pharaohs", "Into the Coven" y "Black Funeral", que se han convertido en himnos del metal. La producción, a cargo de Henrik Lund, es limpia y potente, resaltando la calidad de los músicos y la originalidad de su propuesta.


Melissa es un disco que no ha perdido vigencia ni frescura, y que sigue siendo una referencia obligada para cualquier fanático del metal. Su influencia se puede apreciar en bandas como Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax, Iron Maiden, Judas Priest y muchas otras. Melissa es, sin duda, un clásico del metal que marcó una época.


TOMAHAWK - TOMAHAWK


 

TOMAHAWK: el regreso explosivo de un supergrupo


El cuarteto formado por Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn ha vuelto a la escena musical con su cuarto álbum de estudio, TOMAHAWK, un trabajo que combina la potencia del rock alternativo, la experimentación del metal y la versatilidad vocal de uno de los cantantes más carismáticos y originales del panorama actual.


TOMAHAWK nació en el año 2000 como un proyecto paralelo de Denison, guitarrista de The Jesus Lizard, quien contactó con Patton, ex líder de Faith No More, para proponerle una colaboración. Patton aceptó y reclutó a Stanier, baterista de Helmet, y a Dunn, bajista de Mr. Bungle, para completar la formación. El resultado fue un debut homónimo que sorprendió por su mezcla de sonidos agresivos, atmósferas oscuras y letras surrealistas.


Después de dos discos más, Mit Gas (2003) y Anonymous (2007), el grupo se tomó un largo descanso que hizo temer por su disolución. Sin embargo, en 2020 anunciaron su regreso con un nuevo álbum que lleva el mismo nombre que la banda. El disco se grabó de forma remota durante la pandemia, con cada miembro aportando sus ideas desde su propio estudio. El proceso fue fluido y creativo, según cuenta Denison en una entrevista para la revista Rolling Stone: "Fue muy divertido porque no había presión ni expectativas. Solo queríamos hacer música que nos gustara y que fuera diferente a lo que hacemos en nuestros otros proyectos".


El resultado es un disco que mantiene la esencia de TOMAHAWK pero que también explora nuevos territorios. El primer tema, "SHHH!", es una declaración de intenciones: una canción instrumental que arranca con una guitarra acústica y que va subiendo de intensidad hasta desembocar en un riff demoledor. Le siguen "Predators and Scavengers", un tema con un ritmo frenético y una letra que critica el consumismo; "Doomsday Fatigue", una balada melancólica con un estribillo pegadizo; y "Business Casual", una pieza que juega con los contrastes entre la voz dulce y la voz gutural de Patton.


El disco también incluye canciones más experimentales, como "Dog Eat Dog", que incorpora sonidos electrónicos y voces distorsionadas; "Eureka", que tiene un aire jazzístico y una letra absurda; o "Sidewinder", que combina elementos del blues y del country con un toque psicodélico. El álbum se cierra con "Choke Neck", una canción que resume el espíritu de TOMAHAWK: rock potente, melodías pegadizas y humor negro.


TOMAHAWK es un disco que demuestra que el grupo no ha perdido su capacidad para sorprender y divertir. Es un trabajo que refleja la personalidad y el talento de sus cuatro integrantes, que se complementan a la perfección. Es, en definitiva, un regalo para los fans del rock alternativo y del metal experimental, y una invitación para los que aún no conocen a esta banda única.


ANTHRAX - SPREADING THE DISEASE


 

Spreading the Disease: el disco que consagró a Anthrax como una de las bandas más influyentes del thrash metal


En 1985, el mundo del metal estaba dominado por los llamados "cuatro grandes": Metallica, Slayer, Megadeth y Anthrax. Estas bandas compartían un estilo agresivo, rápido y técnico que se alejaba del heavy metal tradicional y que se conoció como thrash metal. Entre ellas, Anthrax se destacaba por su actitud más desenfadada, su sentido del humor y su mezcla de influencias que iban desde el hardcore punk hasta el rap.


Spreading the Disease fue el segundo álbum de estudio de Anthrax y el primero con el vocalista Joey Belladonna, quien reemplazó a Neil Turbin tras su salida por diferencias creativas. Belladonna aportó una voz más melódica y versátil que encajaba mejor con la propuesta musical de la banda, que buscaba combinar la potencia del thrash con la accesibilidad del heavy metal clásico.


El disco se inicia con "A.I.R.", una canción que habla sobre la alienación y la rebeldía de los jóvenes, con un riff demoledor y un estribillo pegadizo. Le sigue "Lone Justice", una oda al western y al cine de Sergio Leone, con un ritmo galopante y una atmósfera épica. La tercera pista es "Madhouse", uno de los temas más conocidos de Anthrax, que trata sobre la locura y la institucionalización, con un coro que imita los gritos de los pacientes de un manicomio. El lado A se cierra con "S.S.C./Stand or Fall", una canción política que denuncia la corrupción y el abuso de poder, con un mensaje de resistencia y unidad.


El lado B comienza con "The Enemy", una canción dedicada al padre fallecido del guitarrista Dan Spitz, que combina la emotividad con la agresividad. Le sigue "Aftershock", una canción sobre los efectos devastadores de un terremoto, con un riff sismico y una batería atronadora. La séptima pista es "Armed and Dangerous", una balada que muestra el lado más melódico de Anthrax, con una introducción acústica y un solo de guitarra virtuoso. El disco termina con "Medusa", una canción inspirada en la mitología griega, con un riff hipnótico y una letra que narra el encuentro fatal entre Perseo y la gorgona.


Spreading the Disease fue un éxito tanto de crítica como de público, y estableció a Anthrax como una de las bandas más innovadoras y originales del thrash metal. El disco fue producido por Jon Zazula, el fundador de Megaforce Records, el sello independiente que apostó por las bandas emergentes del género. El sonido del álbum es claro y potente, sin perder la crudeza y la energía del thrash. La portada del disco muestra el logo de Anthrax sobre un fondo negro, con unas gotas de sangre que simbolizan la enfermedad que se propaga.


Spreading the Disease es un disco imprescindible para los amantes del metal, que demuestra que Anthrax no solo sabía hacer thrash, sino también hacer canciones memorables, divertidas y variadas. Un disco que contagia su pasión por la música y por la vida.


PINK FLOYD - MEDDLE


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Meddle: el disco que definió a Pink Floyd


Meddle es el sexto álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd, lanzado en octubre de 1971. Considerado por muchos como el punto de inflexión en la carrera del grupo, Meddle es un disco que combina la experimentación sonora de sus primeros trabajos con la cohesión y la madurez compositiva que caracterizarían sus obras posteriores.


El álbum se gestó en un periodo de transición para Pink Floyd, que había dejado atrás la influencia de su líder fundador Syd Barrett y buscaba definir su propia identidad musical. Tras el éxito comercial de Atom Heart Mother (1970), el grupo se embarcó en una extensa gira que le llevó a tocar en varios países de Europa y América. Entre concierto y concierto, los miembros de la banda aprovechaban para grabar nuevas ideas en los estudios Abbey Road de Londres, sin tener un concepto claro ni una dirección definida.


El resultado fue un disco heterogéneo pero coherente, que abarca desde el folk acústico de "A Pillow of Winds" y "Fearless", hasta el blues rock de "San Tropez" y "Seamus", pasando por el hard rock de "One of These Days", una pieza instrumental que abre el álbum con un potente riff de bajo y una amenazante voz distorsionada que dice: "One of these days I'm going to cut you into little pieces" (Uno de estos días te voy a cortar en pedacitos).


Pero sin duda, el tema más destacado y ambicioso de Meddle es "Echoes", una suite de 23 minutos que ocupa toda la cara B del vinilo original. Se trata de una obra maestra del rock progresivo, que explora diferentes atmósferas, ritmos y emociones, con un uso magistral de los efectos de sonido, las voces y los instrumentos. "Echoes" es el resultado de la colaboración y la improvisación de los cuatro miembros de Pink Floyd, que lograron crear una pieza única e irrepetible, que anticipa el sonido y el estilo que desarrollarían en sus siguientes álbumes, como The Dark Side of the Moon (1973) o Wish You Were Here (1975).


Meddle fue un éxito tanto de crítica como de público, y se convirtió en uno de los discos más vendidos y aclamados de Pink Floyd. La revista Rolling Stone lo calificó como "un álbum excepcional, que refleja tanto el talento individual como el colectivo del grupo". Meddle es, en definitiva, un disco imprescindible para entender la historia y la evolución del rock progresivo, y una muestra del genio creativo de una de las bandas más influyentes y legendarias de todos los tiempos.


domingo, 29 de octubre de 2023

VENOM - THE WASTE LANDS

 


Venom: The Waste Lands, una obra maestra del metal extremo


Venom es una de las bandas más influyentes y legendarias del metal extremo, pioneros del black metal, el thrash metal y el speed metal. Su décimo álbum de estudio, The Waste Lands, lanzado en 1992, es una obra maestra que combina la agresividad, la velocidad y la oscuridad que caracterizan a la banda, con una producción más pulida y una mayor variedad de estilos.


El álbum comienza con "Cursed", una canción que resume el espíritu de Venom: un riff demoledor, una batería atronadora y la voz rasgada de Tony "Demolition Man" Dolan, que sustituyó a Cronos como vocalista y bajista en 1989. La letra habla de la maldición que pesa sobre la humanidad y la necesidad de rebelarse contra el orden establecido.


La siguiente canción es "I'm Paralysed", un tema rápido y frenético que muestra la influencia del punk en Venom. La letra expresa la frustración y la rabia de sentirse atrapado en un mundo sin sentido. El solo de guitarra de Mantas es uno de los mejores del álbum.


"Black Legions" es una oda al black metal, el género que Venom creó con su álbum Black Metal en 1982. La canción es un himno a las legiones de seguidores que veneran a la banda y a su música oscura y blasfema. El estribillo es pegadizo y el ritmo es contagioso.


El álbum continúa con "Need to Kill", una canción que explora el lado más sádico y violento de Venom. La letra describe las fantasías de un asesino en serie que disfruta matando a sus víctimas. La música es pesada y lenta, creando una atmósfera opresiva.


"Kissing the Beast" es una canción que habla del pacto con el diablo que hizo Venom para obtener el éxito y el poder. La música es más melódica y épica, con un coro que repite "Kissing the beast, we sold our souls". La canción tiene un aire de ironía y desafío.


"Crucified" es otra canción que refleja la actitud rebelde y anticristiana de Venom. La letra cuenta la historia de un hombre que es crucificado por sus creencias y que se mantiene firme hasta el final. La música es rápida y furiosa, con un riff que recuerda al clásico "Black Metal".


"Shadow King" es una canción que muestra la influencia del heavy metal tradicional en Venom. La letra habla de un rey sombrío que gobierna con mano de hierro y que no tiene piedad con sus enemigos. La música es más elaborada y progresiva, con cambios de ritmo y tempo.


"Skeletons of Society" es una canción que critica la decadencia y la corrupción de la sociedad moderna. La letra describe un mundo donde reina el caos, la violencia y la miseria. La música es más lenta y melancólica, con un toque de doom metal.


"At War with Satan (Preview)" es un adelanto de la versión completa de "At War with Satan", una canción épica de 20 minutos que ocupa todo el lado B del álbum At War with Satan, lanzado en 1984. La canción narra la batalla final entre el diablo y las fuerzas del bien. La música es compleja y variada, con elementos de thrash metal, speed metal, black metal y rock progresivo.


The Waste Lands es un álbum imprescindible para los amantes del metal extremo, que demuestra la maestría y la versatilidad de Venom. El álbum tiene una calidad sonora superior a los anteriores trabajos de la banda, sin perder su esencia cruda y salvaje. The Waste Lands es una joya del metal que merece ser reconocida como tal.


DEEP PURPLE - PERFECT STRANGERS


 

Perfect Strangers: el regreso triunfal de Deep Purple


En 1984, el mundo del rock se sacudió con una noticia inesperada: Deep Purple, la legendaria banda británica que había marcado la historia del hard rock y el heavy metal, se reunía después de ocho años de silencio. Y no solo eso, sino que lo hacía con su formación más emblemática, la llamada Mark II, integrada por Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Jon Lord, Roger Glover y Ian Paice.


El resultado de ese reencuentro fue Perfect Strangers, un disco que demostró que la magia de Deep Purple seguía intacta y que podían competir con las nuevas generaciones de rockeros que habían surgido en su ausencia. Con un sonido potente, melódico y variado, el álbum recupera la esencia de clásicos como Machine Head o Fireball, pero sin renunciar a la evolución y la experimentación.


El disco comienza con Knocking at Your Back Door, un tema que combina una introducción épica con un riff demoledor y una letra cargada de dobles sentidos. Le sigue Under the Gun, una canción rápida y agresiva que refleja la influencia del metal de los 80. La tercera pista es Nobody's Home, un corte que destaca por el duelo entre el órgano de Lord y la guitarra de Blackmore, y por el ritmo sincopado de la batería de Paice.


La joya del disco es sin duda el tema que le da título, Perfect Strangers, una balada épica que se convirtió en uno de los himnos de la banda. Con una melodía memorable, una letra emotiva y unos solos magistrales, la canción es un ejemplo de la química y el talento de los cinco músicos. Le sigue A Gypsy's Kiss, un tema que recuerda al Deep Purple más psicodélico y experimental, con un riff oriental y una estructura compleja.


La segunda cara del disco comienza con Wasted Sunsets, una balada melancólica que muestra el lado más sensible de Gillan, tanto en la voz como en la letra. Le sigue Hungry Daze, una canción que narra las vivencias de la banda en sus inicios, con un tono nostálgico y humorístico. El disco se cierra con dos temas extra: Not Responsible, un tema duro y crudo que habla de la irresponsabilidad y el desenfreno, y Son of Alerik, un instrumental de más de diez minutos que muestra el virtuosismo de Blackmore y su fascinación por la música medieval.


Perfect Strangers fue un éxito comercial y crítico, y supuso el regreso por todo lo alto de Deep Purple a los escenarios. El disco es una muestra de la madurez y la creatividad de una banda que supo reinventarse sin perder su identidad. Un clásico imprescindible para los amantes del rock.



sábado, 28 de octubre de 2023

RAMMSTEIN - ROSENROT


 

Rosenrot es el quinto álbum de estudio de la banda alemana de metal industrial Rammstein, lanzado en octubre de 2005. El disco se compone de 11 canciones que exploran temas como el amor, el sexo, la religión, la violencia y la muerte. El título significa "rosa roja" en alemán, y hace referencia a un poema de Goethe que narra la historia de un joven que se enamora de una mujer prohibida y termina matándola y suicidándose.


El álbum fue producido por Jacob Hellner, quien ha trabajado con Rammstein desde su debut en 1995. El sonido del disco es más variado y melódico que el de sus anteriores trabajos, incorporando elementos de música electrónica, folk y pop. Algunas canciones son versiones regrabadas de temas que quedaron fuera del álbum anterior, Reise, Reise, mientras que otras son completamente nuevas. Entre los invitados especiales se encuentran Sharleen Spiteri, vocalista de la banda escocesa Texas, que canta a dúo con Till Lindemann en "Stirb nicht vor mir (Don't Die Before I Do)", y Bobo, una cantante de gospel que colabora en los coros de "Spring" y "Rosenrot".


El álbum recibió críticas generalmente positivas de la prensa especializada, que elogió la evolución musical de la banda y la calidad de las composiciones. Sin embargo, algunos fans se mostraron decepcionados por el cambio de estilo y la falta de canciones tan agresivas y provocativas como las de sus discos anteriores. Rosenrot vendió más de un millón de copias en todo el mundo y alcanzó el número uno en las listas de Alemania, Austria, Finlandia y Suiza. El disco fue nominado al premio Grammy al mejor álbum de rock o metal alternativo en 2007.


Rosenrot se promocionó con cuatro sencillos: "Benzin", "Rosenrot", "Mann gegen Mann" y "Te quiero puta!". Los tres primeros fueron acompañados por videoclips dirigidos por Zoran Bihac, Joern Heitmann y Jonas Akerlund respectivamente. El último sencillo fue una canción cantada íntegramente en español, dedicada al público latinoamericano. La banda realizó una gira mundial para presentar el álbum entre noviembre de 2004 y agosto de 2006, visitando más de 30 países y ofreciendo más de 100 conciertos.


Rosenrot es un álbum que demuestra la madurez y la versatilidad de Rammstein, una banda que no teme experimentar con diferentes géneros e influencias. A pesar de haber suavizado su sonido, la banda no pierde su esencia ni su capacidad para crear himnos poderosos y emotivos. Rosenrot es un disco que merece ser escuchado con atención y respeto, pues es una obra maestra del metal industrial.



DEFTONES - AROUND THE FUR


 

Around the Fur: el disco que consagró a Deftones como una de las bandas más innovadoras del metal alternativo


En 1997, Deftones lanzó su segundo álbum de estudio, Around the Fur, un trabajo que los catapultó a la fama y los consolidó como una de las referencias del metal alternativo. Con una mezcla de agresividad, melancolía, experimentación y sensualidad, el quinteto californiano logró crear un sonido único y personal, que los diferenciaba de sus contemporáneos del nu metal.


El disco fue producido por Terry Date, quien ya había trabajado con la banda en su debut Adrenaline (1995), y contó con la colaboración de Max Cavalera (ex-Sepultura, Soulfly) y Annalynn Cunningham (ex-Girlfriend). El resultado fue un álbum más maduro, variado y sofisticado que su predecesor, con canciones que exploraban temas como el sexo, la violencia, la soledad y la alienación.


Around the Fur comienza con "My Own Summer (Shove It)", un himno generacional que combina riffs pesados, ritmos hipnóticos y la voz versátil de Chino Moreno, capaz de pasar de la furia al susurro en cuestión de segundos. El tema fue el primer sencillo del disco y tuvo un gran éxito en las radios y en MTV, gracias a su impactante videoclip dirigido por Dean Karr, en el que la banda toca sobre unas jaulas rodeadas de tiburones.


El segundo corte es "Lhabia", una canción que muestra la influencia del post-punk y el shoegaze en el sonido de Deftones, con una atmósfera oscura y envolvente. Le sigue "Mascara", una balada sombría y melódica, que contrasta con la intensidad de "Around the Fur", el tema que da nombre al disco y que cuenta con la participación de Max Cavalera en los coros.


"Rickets" es otro de los momentos más caóticos y frenéticos del álbum, con una batería demoledora de Abe Cunningham y unos gritos desgarradores de Moreno. En cambio, "Be Quiet and Drive (Far Away)" es una oda a la escapada y al deseo, con una guitarra hipnótica de Stephen Carpenter y un estribillo pegadizo. El tema fue el segundo sencillo del disco y también tuvo un videoclip memorable, filmado en blanco y negro por Frank Ockenfels.


"Lotion" es una canción que refleja la fascinación de la banda por el cine de terror, con referencias a películas como El silencio de los corderos y Psicosis. "Dai the Flu" es otra pieza experimental y progresiva, con cambios de ritmo y de intensidad. "Headup" es el tema más pesado y tribal del disco, con la colaboración de Cavalera en la voz y en la composición. La canción está dedicada a Dana Wells, el hijastro de Cavalera que murió en un accidente de tráfico en 1996.


El disco se cierra con "MX", una canción que combina elementos acústicos y electrónicos, con una letra que habla sobre una fiesta sexual. El tema tiene un final oculto, en el que se escucha a Moreno y a Cunningham hablando con una chica llamada Annalynn, que resulta ser la modelo que aparece en la portada del disco.


Around the Fur fue un éxito comercial y crítico para Deftones, que vendió más de un millón de copias en Estados Unidos y recibió elogios de la prensa especializada. La revista Rolling Stone lo calificó como "un disco impresionante" y lo incluyó en su lista de los mejores álbumes de 1997. El disco también fue reconocido por otros artistas como Metallica, Korn o Tool, que invitaron a Deftones a girar con ellos.


Around the Fur es un disco que marcó un antes y un después en la carrera de Deftones, que demostraron tener una personalidad propia y una capacidad para innovar dentro del metal. El disco sigue siendo uno de los más influyentes y admirados del género, y una obra maestra indiscutible de la banda.



viernes, 27 de octubre de 2023

XTC - SKYLARKING


 

Skylarking, el noveno álbum de estudio de la banda británica XTC, es una obra maestra del pop psicodélico que explora los ciclos de la vida, el amor y la naturaleza. Producido por Todd Rundgren, el disco es un viaje musical que va desde la inocencia de la infancia hasta la madurez y la muerte, pasando por las alegrías y las penas del romance, la religión y la política. Cada canción es una pieza única que se integra en un concepto coherente y fluido, lleno de armonías vocales, arreglos orquestales y sonidos de animales y pájaros.


El álbum comienza con Summer's Cauldron, una canción que recrea el ambiente de un día caluroso de verano, con el sonido de las abejas, los grillos y el agua. La letra habla de la fascinación por la naturaleza y el deseo de fundirse con ella. A continuación, se pasa a Grass, una canción más animada y optimista que celebra el amor juvenil y el sexo al aire libre. El contraste entre las dos canciones refleja el paso de la infancia a la adolescencia, así como el cambio de estación.


El disco sigue con The Meeting Place, una canción que narra el encuentro clandestino de dos amantes en una fábrica abandonada. La música tiene un ritmo industrial y mecánico que contrasta con la dulzura de la melodía y la letra. La siguiente canción es That's Really Super, Supergirl, una sátira sobre una mujer que abandona a su pareja por otro más exitoso. La canción tiene un tono irónico y humorístico, con referencias a los superhéroes y los cómics.


La quinta canción es Ballet for a Rainy Day, una delicada balada que describe la belleza de un día lluvioso desde la ventana de una habitación. La canción tiene un aire melancólico y nostálgico, con una orquestación sutil y elegante. Le sigue 1000 Umbrellas, una canción más dramática y teatral que compara el fin de una relación con una tormenta que inunda el mundo. La canción tiene un arreglo barroco y complejo, con cambios de ritmo y tonalidad.


La séptima canción es Season Cycle, una canción que resume el concepto del álbum al hablar de los ciclos de la naturaleza y la vida. La canción tiene un estilo pop rock clásico, con influencias de los Beatles y los Beach Boys. La letra hace referencia a las cuatro estaciones, al sol, a la luna y a las estrellas, así como a las emociones humanas. La canción termina con un coro infantil que canta "This is where we came in", lo que sugiere que el ciclo se repite.


El disco continúa con Earn Enough for Us, una canción que critica el materialismo y la presión social por tener éxito y dinero. La canción tiene un ritmo rápido y energético, con guitarras eléctricas y teclados. La letra expresa el deseo de escapar de la rutina y vivir una vida más simple y feliz. La siguiente canción es Big Day, una canción que narra los preparativos de una boda desde el punto de vista del novio. La canción tiene un tono ambiguo y contradictorio, mezclando la ilusión con el miedo, la esperanza con la duda.


La décima canción es Another Satellite, una canción que habla de un amor no correspondido por una mujer casada. La canción tiene un sonido espacial y etéreo, con efectos electrónicos y sintetizadores. La letra usa metáforas astronómicas para expresar la atracción y la distancia entre los dos protagonistas. Le sigue Mermaid Smiled, una canción que cuenta la historia de un hombre que encuentra a una sirena en el mar. La canción tiene un estilo folk rock acústico, con guitarras, flautas y mandolinas. La letra tiene un tono fantástico y poético.


La duodécima canción es The Man Who Sailed Around His Soul, una canción que reflexiona sobre la vida y la muerte desde una perspectiva existencialista. La canción tiene un estilo jazzístico, con saxofones, trompetas y pianos. La letra usa imágenes náuticas y mitológicas para describir el viaje del hombre que se enfrenta a sus miedos y a sus secretos. La siguiente canción es Dying, una canción que aborda el tema de la mortalidad y el paso del tiempo. La canción tiene un sonido sombrío y oscuro, con guitarras distorsionadas y órganos. La letra es breve y directa, con frases como "We're only living this instant" o "We're all going to die".


La última canción es Sacrificial Bonfire, una canción que cierra el álbum con una nota optimista y festiva. La canción tiene un estilo folk rock celta, con violines, gaitas y tambores. La letra habla de la celebración de un ritual pagano que simboliza el renacimiento y la purificación. La canción termina con el sonido de una hoguera y de una multitud que canta y baila.


Skylarking es un disco que demuestra la madurez y la creatividad de XTC, una banda que supo reinventarse y experimentar con diferentes géneros y estilos. El disco es un homenaje a la vida y a la naturaleza, una obra de arte que invita a la reflexión y al disfrute.



JOHNNY WINTER - SECOND WINTER


 

Second Winter: el disco que consagró a Johnny Winter como un maestro del blues-rock


Second Winter es el tercer álbum de estudio del guitarrista y cantante estadounidense Johnny Winter, lanzado en octubre de 1969 por Columbia Records. Se trata de un disco doble que contiene 17 canciones, entre las que se incluyen versiones de clásicos del blues, el rock y el soul, así como composiciones propias de Winter y de su hermano Edgar.


El disco se grabó en Nashville, Tennessee, con la colaboración de músicos como Tommy Shannon y Uncle John Turner en la sección rítmica, Dennis Collins en el órgano y el propio Edgar Winter en el saxofón, la armónica y el piano. La producción corrió a cargo de Johnny Winter y Eddie Kramer, conocido por su trabajo con Jimi Hendrix.


Second Winter es un disco que muestra la versatilidad y el virtuosismo de Johnny Winter, capaz de interpretar con igual maestría el blues eléctrico de Muddy Waters ("I'm Yours and I'm Hers"), el rock and roll de Chuck Berry ("Johnny B. Goode"), el soul de Ray Charles ("Tell the Truth") o el folk-rock de Bob Dylan ("Highway 61 Revisited"). Además, el disco contiene temas propios que reflejan la personalidad y el estilo de Winter, como "Memory Pain", "Miss Ann" o "Hustled Down in Texas".


El disco recibió una excelente acogida por parte de la crítica y el público, y se convirtió en uno de los más vendidos de la carrera de Winter. La revista Rolling Stone lo calificó como "un álbum extraordinario" y lo situó en el puesto número 40 de su lista de los 100 mejores discos de los años 60. El disco también fue reconocido por otros artistas, como Eric Clapton, que lo consideró uno de sus favoritos.


Second Winter es un disco imprescindible para los amantes del blues-rock, y una muestra del talento y la pasión de Johnny Winter, uno de los mejores guitarristas de la historia.


jueves, 26 de octubre de 2023

BOB DYLAN - WORLD GONE WRONG




En 1993, Bob Dylan sorprendió al mundo con World Gone Wrong, un disco compuesto íntegramente por versiones de canciones tradicionales del folk y el blues. Lejos de ser un ejercicio de nostalgia o de homenaje, el álbum es una obra maestra de interpretación y de reinvención, que muestra la genialidad y la rebeldía de Dylan en su máxima expresión.


World Gone Wrong es el segundo disco de una serie que comenzó con Good As I Been To You (1992), en el que Dylan también se dedicó a rescatar temas clásicos del cancionero popular estadounidense. Sin embargo, mientras que el primer volumen tenía un aire más acústico y melancólico, el segundo es más eléctrico y agresivo, con arreglos más elaborados y una producción más cuidada.


Dylan no se limita a reproducir las canciones originales, sino que las transforma con su voz rasgada y su guitarra incisiva, dotándolas de nuevos significados y de una actualidad sorprendente. Así, temas como "Delia", "Two Soldiers" o "Lone Pilgrim" adquieren una dimensión política y social que refleja el desencanto y la crítica de Dylan hacia el mundo contemporáneo, marcado por la violencia, la injusticia y la corrupción.


El disco también contiene momentos de humor, de ironía y de poesía, como en "Blood In My Eyes", "Broke Down Engine" o "Love Henry", donde Dylan demuestra su maestría como narrador y como creador de imágenes. World Gone Wrong es un disco que no deja indiferente a nadie, que desafía las expectativas y que revela la esencia de Bob Dylan como artista: un genio inquieto, inconformista y visionario, capaz de reinventarse a sí mismo y al mundo con su música.


miércoles, 25 de octubre de 2023

THE JEFF BECK GROUP - ROUGH AND READY

 



El tercer álbum de The Jeff Beck Group, Rough and Ready, es una obra maestra del rock fusión que combina elementos de blues, jazz, funk y soul con la virtuosidad de uno de los mejores guitarristas de la historia. Publicado un día como hoy en en 1971, el disco marca un cambio radical en el sonido y la formación de la banda, que había perdido a Rod Stewart y Ronnie Wood, sustituidos por el cantante Bobby Tench y el bajista Clive Chaman. Junto a ellos, el teclista Max Middleton y el baterista Cozy Powell completan el quinteto que da vida a siete temas originales y una versión del clásico de Don Nix, "Goin' Down".


La producción de Beck y Ken Scott (que había trabajado con The Beatles y David Bowie) es impecable y logra captar la energía y la química de los músicos, que se mueven con soltura por diferentes estilos sin perder la cohesión ni la identidad. El álbum abre con "Got the Feeling", una explosión de funk-rock con un riff demoledor y un solo de Beck que quita el aliento. Le sigue "Situation", otro tema cargado de groove y con un estribillo pegadizo. La voz de Tench, potente y expresiva, se adapta perfectamente al registro de la banda, que sabe alternar momentos de intensidad con otros más sutiles y melódicos, como en "Short Business" o "Max's Tune".


La segunda cara del vinilo empieza con "I've Been Used", una balada soul con un toque gospel que muestra la sensibilidad de Beck como compositor y arreglista. El tema tiene un clímax emocionante con un solo de órgano de Middleton y otro de guitarra de Beck que elevan la canción a otra dimensión. "New Ways/Train Train" es una suite de dos partes que empieza con un riff pesado y termina con una jam frenética donde Powell demuestra su habilidad con las baquetas. El disco cierra con "Jody", una pieza instrumental dedicada a la hija de Beck, donde el guitarrista despliega toda su técnica y su creatividad sobre una base rítmica sólida y precisa.


Rough and Ready es un disco imprescindible para los amantes del rock fusión y de la guitarra eléctrica. Es el resultado de la visión artística de Jeff Beck, que supo reinventarse y rodearse de músicos talentosos para crear una obra original, innovadora y atemporal. Un disco que merece ser escuchado con atención y admiración.


PINK FLOYD - UMMAGUMMA


 

Ummagumma es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd, lanzado un día como hoy en 1969. Se trata de un disco doble, que contiene un disco en vivo y otro de estudio. El disco en vivo recoge cuatro temas grabados durante la gira europea de la banda en 1969, mientras que el disco de estudio contiene composiciones experimentales e individuales de cada miembro del grupo.


La crítica especializada ha considerado a Ummagumma como uno de los discos más arriesgados y ambiciosos de Pink Floyd, así como uno de los más influyentes en el desarrollo del rock progresivo y la música psicodélica. La revista Rolling Stone lo incluyó en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, y lo describió como "un viaje sonoro que explora los límites de la imaginación musical".


Ummagumma es un disco que refleja la personalidad y el talento de cada uno de los integrantes de Pink Floyd, así como su capacidad para crear atmósferas envolventes y complejas. El disco en vivo muestra el dominio escénico de la banda, con versiones extendidas y mejoradas de temas clásicos como Astronomy Domine, Careful with That Axe, Eugene, Set the Controls for the Heart of the Sun y A Saucerful of Secrets. El disco de estudio, por su parte, ofrece una variedad de estilos y experimentos, desde el folk acústico de Grantchester Meadows, hasta el collage sonoro de Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict.


Ummagumma es un disco que no deja indiferente a nadie, y que representa una etapa clave en la evolución musical de Pink Floyd. Es un disco que desafía las convenciones y las expectativas, y que invita al oyente a sumergirse en un universo sonoro único y fascinante.


martes, 24 de octubre de 2023

OVERKILL - BLOODLETTING


 

Bloodletting: el disco que consagró a Overkill como una de las bandas más influyentes del thrash metal


Overkill es una de esas bandas que no necesita presentación. Con más de 40 años de trayectoria, los neoyorquinos han sabido mantenerse fieles a su estilo, sin renunciar a la innovación y la calidad. Su décimo álbum de estudio, Bloodletting, lanzado en el año 2000, es una muestra de ello.


Bloodletting es un disco que combina la agresividad y la velocidad del thrash metal clásico con la potencia y la técnica del groove metal. El resultado es un sonido contundente, que no da tregua al oyente, pero que tampoco se vuelve monótono ni predecible. Cada canción tiene su propia personalidad, con riffs memorables, solos virtuosos y cambios de ritmo sorprendentes.


La voz de Bobby "Blitz" Ellsworth es uno de los puntos fuertes del álbum. El vocalista demuestra una versatilidad impresionante, pasando de los agudos desgarradores a los graves guturales con facilidad. Su interpretación es intensa y emotiva, transmitiendo la rabia, el dolor y la rebeldía que caracterizan las letras de Overkill.


El resto de la banda no se queda atrás. Dave Linsk y Joe Comeau se lucen con sus guitarras, creando riffs que se quedan grabados en la mente y solos que quitan el aliento. Derek Tailer aporta un bajo sólido y pesado, que complementa perfectamente el trabajo de las seis cuerdas. Y Tim Mallare hace gala de su habilidad con la batería, marcando el pulso del disco con sus golpes precisos y potentes.


Bloodletting es un disco que no tiene desperdicio. Desde la primera canción, Thunderhead, hasta la última, I Hear Black (una versión acelerada del tema que da título al álbum de 1993), el álbum mantiene un nivel altísimo, sin bajar la guardia ni un segundo. Canciones como Bleed Me, What I'm Missin', Death Comes Out to Play o Let It Burn son auténticos himnos del thrash metal, que hacen vibrar al público en los conciertos.


Bloodletting es, sin duda, uno de los mejores discos de Overkill, y uno de los más influyentes del género. Un disco que no puede faltar en la colección de cualquier amante del metal extremo, y que merece ser escuchado una y otra vez.


lunes, 23 de octubre de 2023

FRANK ZAPPA - CHUNGA'S REVENGE


 

Chunga's Revenge: el disco más ecléctico de Frank Zappa


Frank Zappa fue un músico, compositor y productor estadounidense que se caracterizó por su versatilidad, originalidad y experimentación. Su obra abarca diversos géneros musicales, desde el rock, el jazz, la música clásica, el blues, el funk y la música concreta, hasta la sátira social, la parodia y el humor absurdo.


En 1970, Zappa lanzó su tercer álbum en solitario, Chunga's Revenge, que se considera uno de los más eclécticos de su carrera. El disco contiene diez temas que exploran diferentes estilos y sonidos, desde el rock instrumental, el doo-wop, el hard rock, el jazz fusión y la música electrónica, hasta las improvisaciones en vivo, los collages sonoros y las voces distorsionadas.


El título del álbum hace referencia a un personaje ficticio llamado Chunga, que aparece en la portada como una especie de monstruo peludo con una guitarra eléctrica. Según Zappa, Chunga es una metáfora de la venganza del músico contra la industria discográfica, que le había impuesto restricciones creativas y contractuales.


El disco se inicia con "Transylvania Boogie", una pieza de rock instrumental que muestra la destreza de Zappa como guitarrista. Le sigue "Road Ladies", una canción de doo-wop con letras humorísticas sobre las aventuras sexuales de un músico de gira. El tercer tema es "Twenty Small Cigars", una composición de jazz fusión que originalmente formaba parte de la banda sonora de la película Hot Rats.


El cuarto tema es "The Nancy and Mary Music", una suite de tres partes que consiste en improvisaciones en vivo grabadas en Londres y Los Ángeles. La primera parte es una jam session de rock con solos de guitarra y saxofón. La segunda parte es una pieza de música concreta que utiliza cintas manipuladas, efectos de sonido y voces distorsionadas. La tercera parte es una canción de blues con letras satíricas sobre las drogas y el sexo.


El quinto tema es "Tell Me You Love Me", una canción de hard rock con un ritmo frenético y un estribillo pegadizo. El sexto tema es "Would You Go All the Way?", una parodia del patriotismo estadounidense que ironiza sobre la guerra de Vietnam y el reclutamiento militar. El séptimo tema es "Chunga's Revenge", el tema que da nombre al disco y que es una pieza de rock instrumental con influencias latinas y un solo de guitarra eléctrica.


El octavo tema es "The Clap", una breve canción a capella que imita el sonido de las palmas. El noveno tema es "Rudy Wants to Buy Yez a Drink", una canción de blues con letras cómicas sobre un sindicalista que intenta seducir a una camarera. El décimo y último tema es "Sharleena", una balada de rock con un toque soul y una melodía emotiva.


Chunga's Revenge es un disco que demuestra la genialidad y la diversidad de Frank Zappa como artista. Es un álbum que no se ajusta a ningún molde ni etiqueta, sino que se atreve a explorar diferentes territorios musicales sin perder su identidad ni su sentido del humor. Es un disco que merece ser escuchado con atención y disfrutado con curiosidad.


GENESIS - TRESPASS


 

Trespass: el álbum que marcó el inicio de la leyenda de Genesis


En 1970, Genesis era una banda joven y desconocida que buscaba su lugar en el panorama musical. Su primer álbum, From Genesis to Revelation, había pasado desapercibido y no reflejaba el verdadero potencial del grupo. Por eso, decidieron cambiar de rumbo y apostar por un sonido más progresivo y experimental, influenciado por bandas como King Crimson o Yes.


El resultado fue Trespass, un álbum que, aunque tampoco tuvo éxito comercial en su momento, se convirtió en una obra maestra del rock progresivo y en el punto de partida de la carrera de Genesis. Trespass es un disco que muestra la evolución y la madurez de la banda, tanto en la composición como en la interpretación. Cada canción es una joya musical, llena de matices, arreglos y atmósferas que transportan al oyente a un mundo de fantasía.


El álbum se inicia con Looking for Someone, una canción que empieza con un órgano siniestro y una voz susurrante, para luego explotar en un crescendo de guitarras y batería. Le sigue White Mountain, una épica historia sobre un lobo que lucha por su supervivencia en un entorno hostil. La tercera pista es Visions of Angels, una delicada balada que contrasta con la intensidad de las anteriores. La cara A se cierra con Stagnation, una pieza que combina momentos acústicos con otros más eléctricos y que cuenta con un impresionante solo de flauta de Peter Gabriel.


La cara B se inicia con Dusk, una canción melancólica y nostálgica que habla sobre el paso del tiempo y la pérdida de la inocencia. Le sigue The Knife, el tema más duro y agresivo del disco, que se convirtió en un himno para los fans y en un clásico del repertorio en directo. The Knife es una crítica al uso de la violencia para conseguir el poder, y tiene un ritmo frenético y una guitarra distorsionada que anticipan el heavy metal. El álbum termina con un silencio que invita a la reflexión.


Trespass es un disco que refleja la personalidad y la creatividad de Genesis, así como su capacidad para crear música compleja y emocionante. Es también el último disco con Anthony Phillips, el guitarrista original, que abandonó la banda por problemas de ansiedad escénica. Su sustituto fue Steve Hackett, que se unió a Peter Gabriel, Tony Banks, Mike Rutherford y Phil Collins para formar la formación clásica de Genesis.


Trespass es un álbum imprescindible para los amantes del rock progresivo y para los seguidores de Genesis. Es el disco que marcó el inicio de la leyenda de una de las bandas más influyentes e innovadoras de la historia del rock.


domingo, 22 de octubre de 2023

LED ZEPPELIN - LES ZEPPELIN II


 

Led Zeppelin II: el disco que consagró a los dioses del rock


Led Zeppelin II es el segundo álbum de estudio de la banda británica de rock Led Zeppelin, lanzado en octubre de 1969. Considerado como uno de los mejores discos de la historia del rock, Led Zeppelin II fue el resultado de una intensa gira por Estados Unidos y Europa, en la que la banda aprovechó los momentos libres para componer y grabar en diferentes estudios.


El disco muestra la evolución musical de Led Zeppelin, que incorpora elementos del blues, el folk, el soul y el rock psicodélico, con un sonido más duro y pesado que su debut. La voz de Robert Plant alcanza cotas de expresividad y potencia, mientras que la guitarra de Jimmy Page despliega toda su magia y virtuosismo. La sección rítmica formada por John Paul Jones y John Bonham aporta solidez y dinamismo a las canciones, que se caracterizan por su variedad y riqueza.


Led Zeppelin II contiene algunos de los temas más emblemáticos de la banda, como Whole Lotta Love, Heartbreaker, Ramble On o Moby Dick. El disco fue un éxito comercial y de crítica, y alcanzó el número uno en las listas de Estados Unidos y el Reino Unido. Además, fue el primer álbum de Led Zeppelin en recibir un premio Grammy, en la categoría de mejor interpretación de rock.


Led Zeppelin II es un disco imprescindible para cualquier amante del rock, que demuestra la genialidad y la creatividad de una banda que marcó una época y que sigue siendo una referencia para generaciones de músicos.


sábado, 21 de octubre de 2023

KING DIAMOND - ABIGAIL


 

Abigail: el clásico del metal conceptual de King Diamond


Abigail es el segundo álbum de estudio del cantante danés King Diamond, lanzado un día como hoy en 1987. Se trata del primer disco conceptual de su carrera, y uno de los más aclamados por la crítica y los fans. El álbum narra la historia de una pareja que se muda a una mansión embrujada por el espíritu de una niña llamada Abigail, que nació y murió en el siglo XVIII.


El disco es una obra maestra del metal, que combina la potente voz de King Diamond, capaz de alcanzar agudos estridentes y graves siniestros, con riffs pesados, solos virtuosos y atmósferas tétricas. La producción es impecable, y los arreglos orquestales y los efectos de sonido le dan un toque cinematográfico al relato.


La historia de Abigail es compleja y llena de giros inesperados, que mantienen al oyente enganchado desde el principio hasta el final. El álbum se divide en nueve canciones, que funcionan como capítulos de una novela de terror. Cada canción tiene su propia personalidad, pero todas están conectadas por un hilo conductor: el destino trágico de Abigail y sus víctimas.


El disco empieza con "Funeral", una introducción instrumental que nos sitúa en el año 1777, cuando Abigail nace y es asesinada por su padre, el conde LaFey, que la arroja por las escaleras al descubrir que es la reencarnación de un ser maligno. La canción termina con el llanto de la niña y el sonido de una campana fúnebre.


La historia salta al año 1987, cuando Jonathan y Miriam, una pareja recién casada, llegan a la mansión LaFey, que han heredado de un pariente lejano. En "Arrival", se encuentran con un anciano misterioso que les advierte sobre el peligro que corren al entrar en la casa. El anciano resulta ser el hermano del conde LaFey, que ha estado cuidando la tumba de Abigail durante 200 años.


En "A Mansion in Darkness", Jonathan y Miriam exploran la mansión, y descubren una cripta secreta donde está enterrada Abigail. Jonathan siente una extraña atracción por el ataúd, y decide abrirlo. Al hacerlo, libera el espíritu de Abigail, que posee a Miriam.


En "The Family Ghost", Jonathan se enfrenta al fantasma del conde LaFey, que le revela la verdad sobre Abigail y le ordena que mate a Miriam antes de que dé a luz a la niña. Jonathan se niega a creerlo, y trata de escapar con su esposa.


En "The 7th Day of July 1777", se narra el origen de la maldición de Abigail. El conde LaFey estaba casado con una bruja llamada O'Brian, que le dio un hijo bastardo. La bruja fue quemada en la hoguera por la Inquisición, pero antes de morir lanzó una profecía: volvería a nacer en el vientre de la siguiente esposa del conde, y traería la desgracia a su familia.


En "Omens", Jonathan y Miriam sufren una serie de presagios funestos: un cuervo negro les ataca, una araña venenosa les muerde, y un retrato sangra por los ojos. Jonathan empieza a sospechar que algo malo le pasa a Miriam, que está embarazada.


En "The Possession", Abigail toma el control total de Miriam, y empieza a comportarse de forma violenta y cruel. Le dice a Jonathan que va a matarlo, y le clava un cuchillo en la mano.


En "Abigail", Jonathan decide enfrentarse a Abigail, y la lleva a la cripta donde está su cuerpo. Allí descubre que Miriam ha dado a luz a la niña, que tiene los mismos rasgos que Abigail. Jonathan agarra a la niña y la arroja por las escaleras, repitiendo el acto de su antepasado. Sin embargo, Abigail sobrevive a la caída, y se levanta con una sonrisa malévola.


El disco termina con "Black Horsemen", una canción que cierra el ciclo de la historia. El anciano que les había advertido al principio vuelve a la mansión, y se encuentra con la escena del crimen. Llama a los jinetes negros, una orden secreta que se dedica a cazar a los descendientes de Abigail. Los jinetes llegan y queman la mansión, junto con los cadáveres de Jonathan, Miriam y Abigail. El anciano se despide de su hermano, el conde LaFey, y se marcha con los jinetes, esperando que la maldición haya terminado para siempre.



MILES DAVIS - MILES AHEAD


 

Miles Ahead: una obra maestra del jazz


Miles Davis fue uno de los músicos más influyentes y revolucionarios del siglo XX. Su carrera abarcó desde el bebop hasta el jazz-rock, pasando por el cool, el hard bop, el modal y el jazz-fusión. En 1957, Davis lanzó Miles Ahead, un álbum que marcó un hito en la historia del jazz. Se trata de la primera colaboración entre Davis y el arreglista Gil Evans, con quien crearía otras obras maestras como Porgy and Bess y Sketches of Spain. Miles Ahead es un álbum conceptual que explora las posibilidades de la orquestación en el jazz, combinando la trompeta de Davis con una sección de vientos que incluye flautas, clarinetes, saxofones, trombones y trompas. El resultado es una música rica, sofisticada y emocionante, que fusiona elementos del jazz, del blues, del clásico y del pop.


El álbum se compone de diez temas, algunos de ellos compuestos por Davis y Evans, y otros adaptados de compositores como Léo Delibes, John Lewis o Dave Brubeck. El tema que da título al álbum es una pieza rápida y vibrante, que muestra la habilidad de Davis para improvisar sobre una base rítmica compleja. El segundo tema, Blues for Pablo, es una elegía dedicada al pintor Pablo Picasso, que combina un blues con una melodía española. El tercer tema, New Rhumba, es una composición de Ahmad Jamal que incorpora ritmos africanos y orientales. El cuarto tema, The Meaning of the Blues, es una balada melancólica que contrasta con el siguiente tema, Lament, una pieza más optimista y lírica. El sexto tema, I Don't Wanna Be Kissed (By Anyone but You), es un estándar de Harry James que cierra la primera cara del vinilo original.


La segunda cara se abre con Springsville, una composición de John Carisi que tiene un aire campestre y alegre. El octavo tema, Maids of Cadiz, es una adaptación de una canción francesa de Delibes, que destaca por su delicadeza y su belleza. El noveno tema, The Duke, es una versión de un tema de Brubeck que tiene un ritmo sincopado y un solo magistral de Davis. El último tema, My Ship, es una canción de Kurt Weill e Ira Gershwin que cierra el álbum con un tono nostálgico y romántico.


Miles Ahead es un álbum que demuestra la genialidad de Davis y Evans como creadores e innovadores musicales. Su música trasciende los géneros y las épocas, y sigue siendo una fuente de inspiración para los amantes del jazz y de la buena música en general. Miles Ahead es un álbum imprescindible en cualquier colección que se precie.


viernes, 20 de octubre de 2023

JON SPENCER BLUES EXPLOSION - ACME


 

Acme, el explosivo disco de Jon Spencer Blues Explosion


Si hay una banda que sabe cómo hacer rock and roll salvaje, sucio y divertido, esa es Jon Spencer Blues Explosion. El trío neoyorquino formado por Jon Spencer, Judah Bauer y Russell Simins lleva desde los años 90 destilando actitud, energía y originalidad en sus discos y sus conciertos. Y uno de sus trabajos más destacados es Acme, publicado en 1998.


Acme es un disco que resume a la perfección el espíritu de Jon Spencer Blues Explosion: una mezcla explosiva de blues, punk, garage, rockabilly, soul y hip hop, con influencias que van desde Howlin' Wolf hasta Public Enemy, pasando por The Cramps, The Stooges o Beastie Boys. Un disco que no tiene miedo de experimentar, de jugar con los géneros, de incorporar samples, loops y efectos, de colaborar con artistas tan diversos como Beck, Dr. John o R.L. Burnside. Un disco que suena a la vez clásico y moderno, retro y vanguardista, familiar y sorprendente.


Acme es un disco que no te deja indiferente desde el primer tema, "Do You Wanna Get Heavy?", una declaración de intenciones que combina el riff bluesero de Spencer con el rap de Mike Diamond (Beastie Boys). A partir de ahí, el disco no baja el ritmo ni la intensidad, y nos ofrece canciones como "Magical Colors", un himno soul-funk con la voz invitada de Martina Topley-Bird; "Talk About The Blues", un tema que parodia los clichés del género con la colaboración de Winona Ryder y Giovanni Ribisi en el videoclip; "Lovin' Machine", un rockabilly acelerado con el piano boogie-woogie de Dr. John; o "Blue Green Olga", una versión del bluesman R.L. Burnside con un toque electrónico.


Acme es un disco que demuestra que Jon Spencer Blues Explosion no es una banda convencional, ni se conforma con repetir fórmulas. Es una banda que busca innovar, arriesgar y divertirse, y que consigue transmitir esa sensación al oyente. Es una banda que hace honor a su nombre: una explosión de blues y de rock and roll que te deja sin aliento.



NINE INCH NAILS - PRETTY HATE MACHINE


 

Pretty Hate Machine: el debut explosivo de Nine Inch Nails


En 1989, el mundo de la música se sacudió con la llegada de un nuevo fenómeno: Nine Inch Nails, el proyecto personal de Trent Reznor, un joven músico de Ohio que se atrevió a fusionar el rock industrial con el pop, el synth y el metal. El resultado fue Pretty Hate Machine, un disco que marcó un antes y un después en la historia del rock alternativo.


Pretty Hate Machine es una obra maestra de la angustia, la rabia y el desamor. Reznor compuso, grabó e interpretó casi todos los instrumentos del álbum, con la ayuda de algunos productores como Flood, Adrian Sherwood y John Fryer. El sonido es crudo, oscuro y visceral, pero también melódico, pegadizo y sofisticado. Las letras son confesionales, honestas y desgarradoras, reflejando las experiencias personales de Reznor con las drogas, la depresión y las relaciones tóxicas.


El disco se inicia con Head Like a Hole, un himno rebelde que denuncia la corrupción y el materialismo de la sociedad. Le siguen temas como Terrible Lie, Down in It y Sin, que muestran la frustración y el desencanto de Reznor con la religión, el sexo y la vida. El punto álgido del álbum es Something I Can Never Have, una balada desoladora que expresa el anhelo de un amor imposible. El disco se cierra con Ringfinger, una canción que habla de la sumisión y el sacrificio en una relación enfermiza.


Pretty Hate Machine fue un éxito comercial y de crítica, vendiendo más de tres millones de copias en todo el mundo y recibiendo elogios de medios como Rolling Stone, que lo calificó como "un disco impresionante y original". El álbum también fue el inicio de una carrera brillante para Reznor, que se consolidó como uno de los artistas más influyentes e innovadores de su generación. Pretty Hate Machine es un disco que no pierde vigencia ni fuerza con el paso del tiempo, sino que sigue siendo una referencia obligada para los amantes del rock más vanguardista.


jueves, 19 de octubre de 2023

PEARL JAM - VS


 

Pearl Jam: VS 


La banda de Seattle que irrumpió en la escena grunge con su debut Ten regresa con un segundo álbum que demuestra su madurez musical y su compromiso social. VS es un disco que no se conforma con repetir la fórmula del éxito anterior, sino que explora nuevos territorios sonoros y líricos, con una mayor variedad de influencias y una mayor profundidad de emociones.


El primer sencillo, "Go", es una explosión de energía que abre el disco con un riff demoledor y una voz desgarrada de Eddie Vedder, que canta sobre la frustración de una relación abusiva. Le siguen temas como "Animal", "Daughter" y "Dissident", que muestran la faceta más crítica y política de la banda, denunciando el maltrato animal, el abuso infantil y la represión de los disidentes. La banda también se atreve con sonidos más acústicos y melódicos, como en "Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town", una emotiva canción sobre el paso del tiempo y la nostalgia, o en "Indifference", una balada sombría que cierra el disco con un mensaje de desencanto y resignación.


VS es un disco que refleja el crecimiento de Pearl Jam como músicos y como personas, que no se dejan llevar por el éxito comercial ni por las modas, sino que siguen su propio camino, con honestidad y pasión. Un disco que confirma a Pearl Jam como una de las bandas más importantes e influyentes del rock alternativo de los noventa.


PRIMUS - ANTIPOP


 

Antipop es el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense de rock alternativo Primus, lanzado un día como hoy en 1999. El disco se caracteriza por la experimentación sonora y la colaboración de diversos artistas invitados, como Tom Morello, James Hetfield, Tom Waits y Fred Durst. Antipop es un trabajo ambicioso y desafiante, que explora los límites del género y la creatividad de la banda.


El álbum se inicia con el tema homónimo, una canción potente y agresiva que critica la industria musical y su tendencia a homogeneizar y comercializar el arte. El bajo de Les Claypool domina la melodía, mientras que la guitarra de Larry LaLonde y la batería de Bryan Mantia crean una atmósfera densa y oscura. La voz de Claypool es áspera y sarcástica, y se complementa con los coros de Morello.


El segundo tema es Electric Uncle Sam, una sátira política que mezcla el funk metal con el rap rock. La canción cuenta con la participación de Durst, quien aporta su estilo característico de rap. La letra es una parodia de la propaganda estadounidense y su intervencionismo en el mundo. El estribillo dice: "I am the plan / I am the man / Who tells you what and when you can / I'm the old one that torments you / I am the voice that tells you to".


El tercer tema es Natural Joe, una canción más melódica y tranquila que las anteriores, pero no menos irónica. La canción narra la historia de un hombre común y corriente que vive una vida aburrida y rutinaria, sin aspiraciones ni sueños. La letra dice: "He's just a regular Joe / He's as dull as they go / He's just a regular guy / He likes to watch the grass grow". La canción tiene un aire de folk rock, con la guitarra acústica y la armónica de Waits.


El cuarto tema es Lacquer Head, una canción que denuncia el abuso de las drogas y sus consecuencias. La canción tiene un ritmo frenético y una melodía pegadiza, con un riff de guitarra que recuerda al thrash metal. La letra cuenta la historia de un joven adicto al pegamento, que termina muriendo por una sobredosis. La canción cuenta con la colaboración de Hetfield, quien hace los coros y toca la guitarra rítmica.


El quinto tema es The Antipop, una canción instrumental que sirve como interludio entre las dos partes del álbum. La canción tiene un sonido experimental y psicodélico, con efectos de sonido y distorsiones. La canción muestra la influencia del rock progresivo y el jazz fusion en la banda.


El sexto tema es Eclectic Electric, una canción épica y compleja que dura más de ocho minutos. La canción tiene tres partes diferenciadas, cada una con un estilo musical distinto. La primera parte es una balada acústica, con la voz melancólica de Claypool y la guitarra delicada de LaLonde. La segunda parte es una pieza instrumental, con un solo de guitarra eléctrica de Jim Martin, ex miembro de Faith No More. La tercera parte es una explosión de metal alternativo, con un solo de guitarra acústica de Morello.


El séptimo tema es Greet the Sacred Cow, una canción que critica el fanatismo religioso y sus efectos negativos en la sociedad. La canción tiene un tono sarcástico y humorístico, con referencias a diversas creencias y rituales. La letra dice: "Bow to the sacred cow / In the name of all that is holy / Bow to the sacred cow / Now that you have been deemed worthy". La canción tiene un sonido funk metal, con un bajo prominente y una batería sincopada.


El octavo tema es Mama Didn't Raise No Fool, una canción que habla sobre la rebeldía juvenil y el deseo de libertad. La canción tiene un estilo hard rock, con una guitarra potente y una voz rasgada. La letra dice: "Mama didn't raise no fool / Papa didn't raise no fool / Don't try to tell me what to do / 'Cause I ain't no goddamn fool". La canción cuenta con la participación de Matt Stone, el creador de South Park, quien hace los coros.


El noveno tema es Dirty Drowning Man, una canción que expresa el descontento y la frustración de un hombre que se siente atrapado en una vida miserable. La canción tiene un sonido sombrío y pesado, con una guitarra distorsionada y una batería lenta. La letra dice: "I'm a dirty drowning man / I'm a dirty drowning man / I'm going down and I don't care / I'm a dirty drowning man". La canción cuenta con la colaboración de Martina Topley-Bird, una cantante británica de trip hop, quien hace los coros.


El décimo y último tema es Ballad of Bodacious, una canción que cierra el álbum con una nota optimista y divertida. La canción narra las aventuras de un perro llamado Bodacious, que vive en una granja y se enfrenta a diversos peligros. La canción tiene un aire de country rock, con la guitarra acústica y el banjo de Claypool. La letra dice: "He's Bodacious / He's a dog that's on the roam / He's Bodacious / Just a pup that won't stay home". La canción tiene un final sorprendente, cuando se revela que Bodacious es en realidad un cerdo.


Antipop es un álbum que demuestra la versatilidad y la originalidad de Primus, una banda que no se conforma con seguir las modas ni las expectativas del público. El álbum es un viaje musical por diversos estilos y géneros, que refleja la personalidad y el talento de cada uno de los miembros de la banda. Antipop es un álbum que no deja indiferente a nadie, y que merece ser escuchado con atención y aprecio.


CANNIBAL CORPSE - BLOODTHIRST


 

Bloodthirst es el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense de death metal Cannibal Corpse, lanzado en octubre de 1999 por Metal Blade Records. El disco marca el debut del baterista Paul Mazurkiewicz, quien reemplazó a Jack Owen, y también el regreso del productor Scott Burns, quien había trabajado con la banda en sus primeros cuatro álbumes.


El resultado es un trabajo brutal, intenso y técnico, que demuestra la madurez y la evolución de Cannibal Corpse como una de las bandas más influyentes y respetadas del género. Las canciones son rápidas, pesadas y complejas, con riffs afilados, solos virtuosos y voces guturales que narran historias de violencia, gore y horror. El sonido es claro, potente y equilibrado, gracias a la labor de Burns y al talento de los músicos.


Destacan temas como "Pounded into Dust", "Unleashing the Bloodthirsty", "The Spine Splitter" o "Coffinfeeder", que muestran la versatilidad y la creatividad de la banda, capaz de combinar velocidad, groove y melodía sin perder agresividad ni originalidad. Bloodthirst es un disco imprescindible para los amantes del death metal más extremo, y una muestra de que Cannibal Corpse sigue siendo una referencia indiscutible en la escena metalera mundial.


EINSTURZENDE NEUBAUTEN - ALLES WIEDER OFFEN

 



Einstürzende Neubauten es una de las bandas más influyentes y experimentales de la escena industrial alemana. Desde sus inicios en los años 80, han explorado los límites del sonido y la música, utilizando instrumentos improvisados, objetos cotidianos y ruidos de la ciudad. Su último disco, Alles wieder offen, es una obra maestra de la creatividad y la innovación, que combina elementos de rock, electrónica, ambient, noise y poesía.


El álbum se compone de diez canciones que abordan temas como el amor, la muerte, la guerra, la religión y la política. Cada tema tiene su propia personalidad y atmósfera, creando un viaje sonoro lleno de contrastes y emociones. La voz de Blixa Bargeld, líder y fundador de la banda, es el hilo conductor que une las piezas, con su estilo único y expresivo, capaz de transmitir desde la ternura hasta el desgarro.


Algunos de los momentos más destacados del disco son: "Die Wellen", una canción épica que evoca el mar y sus misterios; "Nagorny Karabach", una balada melancólica que habla de un conflicto territorial en el Cáucaso; "Weil weil weil", un tema rítmico y pegadizo que critica el conformismo y la indiferencia; "Let's do it a da da", una pieza experimental que juega con el lenguaje y los sonidos; y "Alles wieder offen", la canción que da título al álbum y que resume su filosofía: todo está abierto, todo es posible.


Alles wieder offen es un disco que demuestra que Einstürzende Neubauten sigue siendo una banda vanguardista y relevante, que no teme arriesgar ni innovar. Es un disco que invita a escucharlo con atención y curiosidad, para descubrir sus múltiples capas y matices. 



miércoles, 18 de octubre de 2023

THE ROLLING STONES - IT'S ONLY ROCK 'N' ROLL


 

It's Only Rock 'n Roll de The Rolling Stones


The Rolling Stones no necesitan presentación. Son una de las bandas más influyentes y legendarias de la historia del rock, con más de 50 años de trayectoria y decenas de álbumes que han marcado época. Su decimocuarto disco de estudio, It's Only Rock 'n Roll, lanzado un día como hoy en 1974, es una muestra más de su talento y versatilidad, que abarca desde el blues al funk, pasando por el reggae y el soul.


El álbum se inicia con el tema homónimo, un himno al rock and roll que reivindica la esencia y la actitud de la banda frente a las críticas y las modas. Mick Jagger canta con desparpajo y arrogancia, mientras que Keith Richards y Ronnie Wood despliegan su magia con las guitarras. El coro, pegadizo y contagioso, invita a cantar y a bailar sin complejos.


El segundo corte, Time Waits for No One, es una joya oculta que destaca por su elegancia y su atmósfera. Se trata de una balada melancólica y sofisticada, con una letra que reflexiona sobre el paso del tiempo y la vida. La guitarra de Mick Taylor brilla con luz propia, con un solo memorable que eleva la canción a otro nivel.


Otro de los puntos fuertes del disco es Till the Next Goodbye, una preciosa canción de amor y despedida, con un aire country y un toque de slide guitar. La voz de Jagger suena emotiva y sincera, mientras que el piano de Nicky Hopkins aporta calidez y dulzura.


El álbum también incluye algunos experimentos interesantes, como If You Can't Rock Me, un tema funk-rock con un ritmo frenético y una sección de vientos potente; o Luxury, una incursión en el reggae con un sabor caribeño y un mensaje irónico sobre el consumismo.


El disco se cierra con Fingerprint File, una canción larga y compleja que mezcla el funk, el soul y el rock progresivo. Es una pieza oscura y misteriosa, con una letra que habla de la paranoia y la vigilancia. La base rítmica es hipnótica y envolvente, con un bajo prominente de Bill Wyman y una batería precisa de Charlie Watts. El órgano de Billy Preston añade un toque psicodélico, mientras que Jagger alterna el canto con el rap.


It's Only Rock 'n Roll es un disco variado y consistente, que demuestra la capacidad de The Rolling Stones para reinventarse y adaptarse a los tiempos sin perder su identidad. Es un trabajo que merece la pena escuchar y disfrutar, porque como dice el título, solo es rock and roll, pero nos gusta.



MOTORHEAD - AFTERSHOCK

 




Aftershock, el vigésimo primer álbum de estudio de Motörhead, es una muestra de que la banda británica sigue siendo una fuerza imparable en el mundo del rock pesado. Con trece canciones que abarcan desde el speed metal hasta el blues, el disco ofrece una variedad de sonidos y estilos que demuestran la versatilidad y la energía de Lemmy Kilmister y sus compañeros.

El álbum comienza con "Heartbreaker", un tema rápido y furioso que recuerda a los clásicos de la banda como "Ace of Spades" o "Overkill". La voz rasgada de Lemmy se impone sobre los riffs potentes de Phil Campbell y la batería demoledora de Mikkey Dee, creando una atmósfera electrizante. La letra habla de la resistencia y la rebeldía ante las adversidades, un tema recurrente en la obra de Motörhead.

La segunda canción, "Coup de Grace", sigue la misma línea de velocidad y agresividad, con un estribillo pegadizo y una guitarra solista que destaca por su virtuosismo. La letra es una crítica a los políticos corruptos y a los falsos profetas que engañan al pueblo con sus mentiras. Lemmy no se anda con rodeos y les lanza un desafío: "You know I'm coming for you / You better run, you better hide / You know I'm looking for you / You know you won't survive".

El disco cambia de registro con "Lost Woman Blues", una balada bluesera que muestra el lado más melancólico y sentimental de la banda. Lemmy canta con sentimiento sobre una mujer que le ha roto el corazón y que le ha dejado solo y perdido. La canción tiene un aire nostálgico y una guitarra acústica que contrasta con la distorsión eléctrica del resto del álbum.

Otras canciones destacadas son "End of Time", un tema con influencias del heavy metal clásico y del hard rock, con un riff pegadizo y un solo de guitarra impresionante; "Do You Believe", una canción con un ritmo frenético y una letra que invita a vivir el momento y a disfrutar de la vida; "Death Machine", un tema oscuro y pesado que habla de la guerra y la violencia; y "Paralyzed", una canción que cierra el disco con un tono épico y triunfal, con un coro que dice: "We are Motörhead / And we don't care".

Aftershock es un disco que demuestra que Motörhead sigue siendo una de las bandas más influyentes y respetadas del rock pesado, con más de cuatro décadas de trayectoria. El álbum tiene la esencia y el espíritu de la banda, pero también muestra su capacidad para innovar y sorprender. Es un disco que hará las delicias de los fans de Motörhead y de los amantes del buen rock.


DEATH - SPIRITUAL HEALING

  Spiritual Healing: el disco que elevó a Death al olimpo del metal En 1990, la banda estadounidense de death metal Death lanzó su tercer ál...