THE VELVET UNDERGROUND - WHITE LIGHT / WHITE HEAT

White Light/White Heat: el disco que cambió el rock para siempre

En 1968, The Velvet Underground lanzó su segundo álbum, White Light/White Heat, un disco que rompió con las convenciones musicales de la época y que se convirtió en un referente del rock experimental. El grupo liderado por Lou Reed y John Cale exploró los límites del sonido, la distorsión, el ruido y la improvisación, creando una obra cruda, visceral y desafiante.

El álbum se grabó en apenas dos días, en septiembre de 1967, en los estudios Scepter de Nueva York. La producción estuvo a cargo de Tom Wilson, quien ya había trabajado con el grupo en su debut, The Velvet Underground & Nico. Sin embargo, Wilson tuvo poca injerencia en el resultado final, ya que el grupo se encargó de mezclar el disco por su cuenta, sin seguir las normas técnicas de la industria.

El resultado fue un disco que sonaba sucio, saturado y caótico, pero que también tenía momentos de belleza y sensibilidad. El título del álbum hace referencia a la metanfetamina, una droga que el grupo consumía frecuentemente y que influía en su música. La portada del disco era completamente negra, con el nombre del grupo y el título escritos en letras blancas.

El disco se inicia con la canción que le da nombre, White Light/White Heat, un tema frenético y repetitivo que habla sobre los efectos de la droga. La voz de Reed se mezcla con el bajo distorsionado de Cale y la batería de Maureen Tucker, creando una atmósfera de tensión y urgencia. El tema termina con un solo de guitarra de Reed que se pierde entre el ruido blanco.

La segunda canción es The Gift, una pieza de ocho minutos que combina una historia narrada por Cale con una base instrumental compuesta por Reed. La historia es un relato macabro escrito por Reed cuando era estudiante, sobre un joven llamado Waldo Jeffers que envía su cabeza por correo a su novia Marsha, quien accidentalmente la abre con unas tijeras. La narración de Cale está en el canal izquierdo del estéreo, mientras que la música está en el derecho, creando un efecto de contraste y desconexión.

La tercera canción es Lady Godiva's Operation, una canción que habla sobre una operación quirúrgica fallida a una mujer transgénero. La canción comienza con la voz de Reed cantando sobre la vida de Lady Godiva, una mujer que se siente atrapada en su cuerpo y que busca una solución quirúrgica. Luego, la voz de Cale se une a la de Reed, interpretando al médico que realiza la operación. La canción se vuelve más oscura y siniestra a medida que avanza, con sonidos de instrumentos quirúrgicos y gritos de dolor.

La cuarta canción es Here She Comes Now, una balada acústica que contrasta con el resto del disco. La canción es una de las más melódicas y accesibles del álbum, con una letra ambigua que puede referirse tanto a una mujer como a una droga. La voz de Reed se acompaña de la guitarra acústica de Sterling Morrison y el bajo eléctrico de Cale.

La quinta canción es I Heard Her Call My Name, una canción que vuelve al estilo frenético y ruidoso del principio del disco. La canción es un homenaje al guitarrista Jimi Hendrix, uno de los ídolos de Reed. La letra habla sobre una experiencia cercana a la muerte provocada por una sobredosis. La voz de Reed se alterna entre gritos y susurros, mientras que la guitarra eléctrica produce sonidos estridentes y disonantes.

La sexta y última canción es Sister Ray, una épica de 17 minutos que ocupa todo el lado B del vinilo. La canción es una improvisación basada en tres acordes: D, G y A. La letra habla sobre una fiesta decadente en un apartamento donde hay drogas, sexo y violencia. Los personajes son Cecil, un travesti; Rosie, su novia; Miss Rayon, otra travesti; Margarita Passion; Duck and Sally; The Count; y Sister Ray, una prostituta. La canción es un caos sonoro, con la voz de Reed apenas audible entre el ruido de la guitarra, el bajo, la batería y el órgano eléctrico de Cale.

White Light/White Heat es un disco que no deja indiferente a nadie. Es un disco que desafía las expectativas y que rompe con los moldes. Es un disco que refleja la personalidad y la visión artística de The Velvet Underground, un grupo que no buscaba el éxito comercial, sino la expresión auténtica. Es un disco que influyó en generaciones posteriores de músicos, desde el punk hasta el noise. Es un disco que es considerado como una obra maestra del rock experimental y que merece ser escuchado con atención y respeto.