viernes, 16 de febrero de 2024

DEATH - SPIRITUAL HEALING


 

Spiritual Healing: el disco que elevó a Death al olimpo del metal


En 1990, la banda estadounidense de death metal Death lanzó su tercer álbum de estudio, Spiritual Healing, considerado por muchos como uno de los mejores discos del género. Con una producción más pulida, una mayor complejidad musical y unas letras que abordaban temas sociales y personales, el grupo liderado por Chuck Schuldiner demostró que el death metal podía ser más que ruido y sangre.


El disco se gestó en medio de una serie de cambios en la formación de la banda, que vio salir al baterista Bill Andrews y al bajista Terry Butler, quienes se unieron a Massacre, y entrar al joven Gene Hoglan, procedente de Dark Angel, y al experimentado Steve DiGiorgio, de Sadus. Con esta nueva alineación, Schuldiner se propuso crear un álbum más maduro y variado que sus anteriores trabajos, Scream Bloody Gore (1987) y Leprosy (1988).


Para ello, contó con la ayuda del productor Scott Burns, quien había trabajado con bandas como Obituary, Sepultura y Morbid Angel. Burns le dio a Spiritual Healing un sonido más limpio y potente, resaltando la habilidad técnica de los músicos y la diversidad de las composiciones. El disco se grabó en los estudios Morrisound de Tampa, Florida, entre agosto y septiembre de 1989.


El resultado fue un álbum que combinaba la agresividad y la velocidad del death metal con elementos progresivos y melódicos, creando una atmósfera única y envolvente. Las canciones eran más largas y estructuradas que en los discos anteriores, con cambios de ritmo, solos de guitarra y bajo, y armonías vocales. Además, las letras dejaban de lado el gore y el satanismo para tratar temas como el fanatismo religioso, el abuso infantil, el suicidio o la eutanasia.


El disco se inicia con "Living Monstrosity", una canción que habla sobre una madre drogadicta que da a luz a un bebé deformado. El tema tiene un riff pegadizo y un estribillo memorable, con Schuldiner cantando con su característica voz gutural. Le sigue "Altering the Future", una canción que reflexiona sobre las consecuencias de las decisiones que tomamos en la vida. El tema tiene un ritmo más lento y pesado, con un solo de guitarra melancólico y otro de bajo virtuoso.


La tercera canción es "Defensive Personalities", una de las más complejas y progresivas del disco. La letra trata sobre una persona que sufre de trastorno de personalidad múltiple debido al abuso que sufrió en su infancia. La música va cambiando según la personalidad que se expresa, desde la calma hasta la furia. La canción tiene un solo de guitarra impresionante y una sección acústica al final.


La cuarta canción es "Within the Mind", una de las más rápidas y brutales del disco. La letra habla sobre el suicidio como una forma de escapar de la realidad. La música es frenética y caótica, con riffs afilados y blast beats. La canción tiene un solo de guitarra frenético y otro de bajo espectacular.


La quinta canción es "Spiritual Healing", la que da título al disco. Es una crítica al fanatismo religioso y a los falsos profetas que engañan a la gente con promesas de salvación. La música es más melódica y atmosférica que las anteriores, con un riff principal hipnótico y unos coros que repiten el nombre de la canción. La canción tiene un solo de guitarra emotivo y otro de bajo armonioso.


La sexta canción es "Low Life", una canción que habla sobre la gente que vive en la miseria y la violencia. La música es más directa y simple que las anteriores, con un riff machacón y un estribillo pegadizo. La canción tiene un solo de guitarra sencillo pero efectivo.


La séptima canción es "Genetic Reconstruction", una canción que habla sobre los experimentos genéticos y sus posibles consecuencias. La música es más técnica y variada que las anteriores, con cambios de ritmo, riffs intrincados y solos de guitarra y bajo complejos.


La octava y última canción es "Killing Spree", una canción que habla sobre un asesino en serie que mata por placer. La música es la más agresiva y violenta del disco, con un riff demoledor y una batería implacable. La canción tiene un solo de guitarra salvaje y otro de bajo frenético.


Spiritual Healing es un disco que marcó un antes y un después en la carrera de Death y en la historia del death metal. Con este álbum, la banda demostró que podía hacer música más elaborada y profunda sin perder su esencia. El disco fue aclamado por la crítica y el público, y se convirtió en un clásico del género. Spiritual Healing es un disco que no solo cura el espíritu, sino que también lo eleva.



T REX - BOLAN'S ZIP GUN


 

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Bolan's Zip Gun: el disco más polémico de T. Rex


Bolan's Zip Gun es el décimo álbum de estudio de la banda británica de glam rock T. Rex, lanzado en 1975. El disco supuso un cambio radical en el sonido y la imagen del grupo, que abandonó el estilo glamoroso y exitoso de sus anteriores trabajos para adoptar una estética más dura y callejera, influenciada por el rock and roll de los años 50 y el funk. El resultado fue un álbum controvertido, que dividió a la crítica y al público, y que marcó el inicio del declive comercial de T. Rex.


El líder y vocalista de la banda, Marc Bolan, había sido una de las figuras más populares y carismáticas del glam rock, un movimiento musical que se caracterizaba por su extravagancia, su teatralidad y su ambigüedad sexual. Bolan había cosechado una serie de éxitos con canciones como "Get It On", "Children of the Revolution" o "Metal Guru", que lo convirtieron en un ídolo de masas y en un referente para otros artistas como David Bowie o Queen. Sin embargo, a mediados de los años 70, el glam rock empezó a perder fuerza y relevancia, y Bolan se vio obligado a reinventarse para mantenerse en la cima.


Bolan decidió cambiar su imagen y su sonido, inspirándose en las tendencias musicales que emergían en Estados Unidos, como el funk o el soul. Así, se cortó el pelo, se dejó crecer la barba, se vistió con ropa más informal y adoptó una actitud más agresiva y desafiante. También modificó su forma de componer y de producir, utilizando más instrumentos electrónicos, como sintetizadores o cajas de ritmos, y experimentando con efectos de sonido, como distorsiones o ecos. El resultado fue Bolan's Zip Gun, un álbum que rompió con todo lo que se esperaba de T. Rex.


El disco se compone de once canciones que muestran la nueva faceta de Bolan, más cruda y menos melódica. Temas como "Light of Love", "Solid Baby" o "Precious Star" tienen un ritmo frenético y pegadizo, con influencias del rockabilly y del funk. Otras canciones, como "Token of My Love", "Space Boss" o "Think Zinc", son más experimentales y psicodélicas, con letras surrealistas y sonidos espaciales. El álbum se cierra con "Till Dawn", una balada acústica que recuerda al Bolan más romántico y sensible.


Bolan's Zip Gun fue recibido con frialdad tanto por la crítica como por el público. La revista Rolling Stone lo calificó como "un disco decepcionante y confuso, que no hace justicia al talento de Bolan". Los fans tampoco quedaron satisfechos con el cambio de rumbo de su ídolo, y el disco solo alcanzó el puesto número 41 en las listas británicas, el peor resultado de T. Rex desde 1970. El álbum tampoco tuvo éxito en Estados Unidos, donde ni siquiera fue editado hasta 1976.


Bolan's Zip Gun fue un fracaso comercial que supuso un golpe duro para la carrera de T. Rex. Bolan intentó recuperar su popularidad con sus siguientes discos, Futuristic Dragon (1976) y Dandy in the Underworld (1977), pero nunca volvió a alcanzar el nivel de gloria que tuvo en los primeros años 70. Bolan murió en 1977 en un accidente de coche, dejando tras de sí un legado musical que lo convirtió en una leyenda del rock.


JOHN ZORN - NAKED CITY


 

Naked City: el disco que revolucionó el jazz y el rock


John Zorn es uno de los músicos más innovadores y versátiles del siglo XX. Su obra abarca desde el jazz de vanguardia hasta la música clásica, pasando por el metal, el punk, el klezmer y la música de cine. Pero quizás su proyecto más emblemático y radical sea Naked City, el grupo que formó en 1988 con algunos de los mejores instrumentistas de la escena neoyorquina: Bill Frisell en la guitarra, Wayne Horvitz en los teclados, Fred Frith en el bajo, Joey Baron en la batería y Yamatsuka Eye en la voz.


Naked City es el título del primer disco de la banda, publicado en 1989 por la discográfica Nonesuch. El álbum es una obra maestra de la experimentación sonora, que combina influencias del jazz, el rock, el noise, el surf, el country, el blues y la música clásica. El disco contiene 26 temas, que van desde composiciones originales de Zorn hasta versiones de clásicos como "Lonely Woman" de Ornette Coleman, "The James Bond Theme" de John Barry o "The Sicilian Clan" de Ennio Morricone. La duración de las canciones varía desde los 53 segundos de "Snagglepuss" hasta los 9 minutos y medio de "Reanimator".


Lo que hace único a Naked City es la forma en que Zorn y sus músicos cambian de estilo, ritmo y tono en cuestión de segundos, creando contrastes sorprendentes y desafiantes para el oyente. El disco es una montaña rusa musical, que pasa de la belleza melódica al caos más absoluto, de la calma a la furia, de la ironía a la seriedad. Naked City es un disco que rompe las barreras entre los géneros musicales y que muestra la libertad creativa y la virtuosidad técnica de sus intérpretes.


Naked City es un disco que no deja indiferente a nadie. Para algunos, es una obra genial y revolucionaria, que anticipa el futuro de la música. Para otros, es una aberración ruidosa e incoherente, que no respeta las tradiciones ni las normas. Lo cierto es que Naked City es un disco que hay que escuchar con atención y con mente abierta, para apreciar su valor artístico y su impacto cultural. Naked City es un disco que cambió la historia del jazz y del rock.


jueves, 15 de febrero de 2024

AMORPHIS - ECLIPSE


 

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Amorphis: Eclipse, el renacer de una leyenda


La banda finlandesa de metal progresivo Amorphis ha vuelto a sorprender a sus fans con su noveno álbum de estudio, Eclipse. El disco marca el debut del nuevo vocalista Tomi Joutsen, quien reemplaza al histórico Pasi Koskinen, y supone una renovación del sonido y la actitud de la agrupación.


Eclipse es un trabajo conceptual basado en la novela Kullervo, del escritor finés Elias Lönnrot, que narra la trágica historia de un héroe maldito que busca venganza por el asesinato de su familia. La temática épica y oscura se refleja en las letras y en la música, que combina elementos del folk, el rock y el metal con maestría y originalidad.


El álbum se inicia con la potente "Two Moons", que muestra la versatilidad de Joutsen, capaz de alternar entre voces limpias y guturales con naturalidad y expresividad. Le siguen temas como "House of Sleep", el primer sencillo, que destaca por su melodía pegadiza y su estribillo coral; "Leaves Scar", una canción intensa y dinámica que fusiona riffs pesados con teclados atmosféricos; o "Born from Fire", una pieza épica y emotiva que cierra el ciclo de Kullervo con un final apoteósico.


Eclipse es un álbum que demuestra la madurez y la creatividad de Amorphis, una banda que ha sabido reinventarse sin perder su esencia ni su calidad. Un disco que satisfará tanto a los seguidores más fieles como a los nuevos oyentes que quieran descubrir una propuesta musical diferente y original.



RUSH - FLY BY NIGHT


 

Fly by Night: el vuelo nocturno de Rush hacia el éxito


En 1975, la banda canadiense de rock progresivo Rush lanzó su segundo álbum de estudio, Fly by Night, que marcó un punto de inflexión en su carrera musical. Con la incorporación del baterista y letrista Neil Peart, el grupo encontró su propia voz y estilo, alejándose de las influencias de Led Zeppelin y explorando nuevos territorios sonoros y temáticos.


Fly by Night es un álbum que combina la energía y el virtuosismo del hard rock con la complejidad y la variedad del rock sinfónico. Las canciones abarcan desde el himno generacional de Anthem, que reivindica el individualismo y la libertad, hasta la épica By-Tor and the Snow Dog, que narra una batalla fantástica entre dos criaturas mitológicas. También hay espacio para el humor en Beneath, Between and Behind, que critica la decadencia cultural de Estados Unidos, o para la nostalgia en Fly by Night, que refleja el deseo de escapar de la rutina y buscar nuevas aventuras.


El álbum fue recibido con entusiasmo por los fans y la crítica, que destacaron la evolución y la madurez de la banda. Fly by Night fue el primer disco de Rush en entrar en las listas de éxitos de Estados Unidos y Canadá, y les abrió las puertas para girar por el mundo y consolidarse como una de las bandas más influyentes y respetadas del rock progresivo. Fly by Night es un disco imprescindible para los amantes del género, que demuestra que Rush no solo sabía volar de noche, sino también brillar con luz propia.


DEEP PURPLE - BURN


Burn: el renacer de Deep Purple


En 1974, Deep Purple se enfrentaba a una encrucijada. Tras el éxito de Machine Head y Made in Japan, la banda británica había perdido a dos de sus miembros fundadores: el vocalista Ian Gillan y el bajista Roger Glover. ¿Cómo reemplazar a dos piezas clave del sonido hard rock que habían creado? La respuesta fue audaz y sorprendente: reclutar a dos jóvenes talentos del rock progresivo, el cantante David Coverdale y el bajista Glenn Hughes, y dar un giro radical a su estilo musical.


Burn es el resultado de esa transformación. Un disco que combina la potencia y la energía de los clásicos de Deep Purple con la sofisticación y la diversidad de los nuevos integrantes. Un disco que explora nuevos territorios sonoros, desde el funk al blues, pasando por el soul y el rock sinfónico. Un disco que demuestra que Deep Purple no se conformaba con repetir fórmulas, sino que buscaba reinventarse y sorprender a sus fans.


El álbum se inicia con la canción homónima, un tema frenético y explosivo que sirve de presentación de la nueva formación. Coverdale y Hughes se alternan en las voces, mostrando sus registros potentes y melódicos, mientras que Ritchie Blackmore despliega su virtuosismo en la guitarra con riffs y solos incendiarios. La sección rítmica, formada por Ian Paice en la batería y Jon Lord en los teclados, sostiene el ritmo con precisión y fuerza. Burn es una declaración de intenciones, un himno que anuncia que Deep Purple ha vuelto con más fuerza que nunca.


El resto del disco no baja el nivel. Canciones como Might Just Take Your Life, Lay Down Stay Down o You Fool No One mantienen el pulso del hard rock más puro, con estribillos pegadizos y solos espectaculares. Otras como Mistreated o Sail Away se adentran en el blues rock más emotivo y profundo, con Coverdale luciendo su voz rasgada y expresiva. Y otras como What's Goin' On Here o A 200 se atreven con el funk rock más bailable y divertido, con Hughes aportando su toque soul y funky.


Burn es un disco imprescindible en la discografía de Deep Purple, un disco que marcó un antes y un después en la historia del rock. Un disco que demuestra que el cambio puede ser positivo, si se hace con talento, creatividad y pasión. Un disco que arde con la llama del mejor rock.



 

miércoles, 14 de febrero de 2024

MOGWAI - HARDCORE WILL NEVER DIE BUT YOU WILL


 

Mogwai: el hardcore nunca morirá, pero tú sí



El título del séptimo álbum de estudio de Mogwai es una provocación, una advertencia y una declaración de principios. El hardcore nunca morirá, pero tú sí (2011) es un disco que reivindica la esencia del rock más duro y experimental, sin renunciar a la belleza y la emoción que caracterizan a la banda escocesa. En esta crónica, analizamos las claves de este trabajo, que se ha convertido en uno de los más aclamados y exitosos de su carrera.


El disco se inicia con "White Noise", una canción que resume el espíritu del álbum: una explosión de guitarras distorsionadas, batería frenética y melodías envolventes que crean un contraste entre el ruido y el silencio, la luz y la oscuridad. El tema es un homenaje al escritor Don DeLillo, autor de la novela Ruido de fondo (1985), que trata sobre el miedo a la muerte y la influencia de los medios de comunicación en la sociedad contemporánea.


La influencia literaria se mantiene en "Mexican Grand Prix", una pieza que combina el krautrock, el pop electrónico y las voces procesadas para crear un efecto hipnótico y futurista. La letra está inspirada en el libro La velocidad de las cosas (1998), del argentino Rodrigo Fresán, que narra las peripecias de un periodista musical obsesionado con los coches de carreras.


El tercer corte, "Rano Pano", es uno de los más potentes y directos del disco. Se trata de un riff demoledor que se repite durante más de cinco minutos, acompañado por una base rítmica implacable y unos teclados atmosféricos. La canción es un ejemplo del dominio que tiene Mogwai de la dinámica y la tensión musical, capaz de generar una sensación de urgencia y catarsis.


"Death Rays" baja el ritmo pero no la intensidad. Es una balada espacial que evoca el sonido de bandas como Pink Floyd o Sigur Rós, con una guitarra acústica que se funde con unos sintetizadores cósmicos y una voz susurrante. La letra habla de un amor imposible entre dos seres de diferentes planetas, que se comunican a través de rayos mortales.


"San Pedro" es otro tema instrumental que recupera la fuerza y la velocidad del principio. Está dedicado al músico estadounidense Lou Barlow, líder de bandas como Dinosaur Jr. o Sebadoh, y amigo personal de Mogwai. La canción tiene un aire punk y garage, con un riff pegadizo y una batería explosiva.


"Letters to the Metro" es una pieza delicada y melancólica, con un piano que marca el ritmo y unas cuerdas que aportan calidez y emoción. La canción está inspirada en el libro Cartas al metro (2007), del francés Guillaume Apollinaire, que recoge las misivas que el poeta le escribió a su amada desde el frente durante la Primera Guerra Mundial.


"George Square Thatcher Death Party" es uno de los temas más polémicos y controvertidos del disco. Se trata de una celebración anticipada del fallecimiento de la ex primera ministra británica Margaret Thatcher, odiada por gran parte del pueblo escocés por sus políticas neoliberales y su represión del movimiento minero. La canción tiene un ritmo frenético y unas voces distorsionadas que gritan "¡muere!".


"How to Be a Werewolf" es una canción más tranquila y reflexiva, con unas guitarras limpias y unos teclados etéreos que crean una atmósfera onírica y misteriosa. La letra habla de la soledad y el aislamiento que siente un hombre lobo en medio de la ciudad, buscando su lugar en el mundo.


"Too Raging to Cheers" es otro tema instrumental que combina el post-rock con el ambient, con unas guitarras reverberantes y unos sintetizadores minimalistas que generan una sensación de calma y serenidad.


El disco se cierra con "You're Lionel Richie", una canción épica y emotiva, que empieza con un piano solitario y va creciendo en intensidad y complejidad hasta alcanzar un clímax apoteósico. La canción está basada en una anécdota real que le ocurrió a la banda, cuando se encontraron con el famoso cantante en un aeropuerto y le pidieron una foto.


Hardcore will never die, but you will es un disco que demuestra la madurez y la versatilidad de Mogwai, capaz de explorar diferentes estilos y sonidos sin perder su identidad y su personalidad. Es un disco que combina el ruido y la furia con la belleza y la ternura, el humor y la ironía con la crítica y el compromiso, la literatura y el cine con la música y el arte. Es un disco que celebra la vida y desafía a la muerte, con una actitud rebelde y optimista. Es un disco que no te dejará indiferente.

DEATH - SPIRITUAL HEALING

  Spiritual Healing: el disco que elevó a Death al olimpo del metal En 1990, la banda estadounidense de death metal Death lanzó su tercer ál...